Una joyita sencilla y re-divertida

Les dejo este corto animado dirigido por el genial Juan Pablo Zaramella (gracias a la sugerencia del amigo Hagoydeshago de Patio de Butacas). Y si cruzamos los dedos y tenemos algo de suerte, tal vez lo tengamos por acá para el Animateur. Disfrútenlo.

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Homenaje a un maestro

En enero del 2006, partió a la eternidad el maestro Rodolfo (Rufo) Sáenz Valiente. Recordando aquella partida deseo compartirles uno de sus textos que cuando me iniciaba en este arte despejó muchas de mis dudas y reorientó mis conceptos.
Espero les sea de ayuda tanto como lo fue para mi.
A mi mentor, gracias allá donde estés.



EL ANIMADOR Y SU ARTE
Por Rodolfo Sáenz Valiente

¿Cuáles son los elementos con que trabajan los animadores? ¿Cuál es la diferencia entre mover y animar? ¿Es válido considerar a la animación, como un género cinematográfico? ¿El movimiento es sólo la transición de una forma externa a otra?

Como animadores, en definitiva estamos trabajando para mostrar nuestra obra a través de una pantalla provista con un sistema de sonido. Estos son los elementos que disponemos para narrar, para comunicar una historia. Entonces se hace obvio que también debemos tener la necesidad de contar, de comunicar algo que sentimos.
Vamos a comunicar utilizando sólo la forma y el "tempo", ya que son éstas las herramientas con que contamos. Si bien a priori parecen muy simples, en esta simpleza aparente, radica la fuerza de este medio y valga la paradoja, también su complejidad.
Si ubicamos un objeto frente a una cámara, disparamos y luego lo movemos, disparamos, volvemos a moverlo y disparamos, si repetimos esto varias veces, luego al apreciar el resultado, el objeto fotografiado cuadro a cuadro se moverá dentro del encuadre.
Pero no nos engañemos, seguramente no estará animado. Animar algo significa más que esto; es dar vida a algo inanimado. Para que esta ilusión se concrete, es necesario que el espectador sienta que ese objeto que ve moverse, no constituye una simple ilusión óptica, sino que se trata de algo que realmente está vivo.
Para lograr esto, una condición imprescindible es que el movimiento que realizamos contenga emoción, que además de la acción logremos expresar un sentimiento. Todas nuestras acciones en la vida real tienen algún grado de emoción. Este contenido constantemente y perceptiblemente modifica la forma en que se desarrolla cualquier movimiento.
Como animadores nos surge entonces la gran pregunta: ¿Cómo y qué hacer para dar vida a algo que es inanimado?
Ante todo debemos comprender como se mueve un cuerpo, desde el punto de vista físico, desde la forma de representarlo sobre la pantalla y desde el punto de vista emocional.
En principio tenemos que ser conscientes que todas las acciones estarán sujetas a ciertas leyes físicas. Las que debemos conocer y respetar, si queremos que nuestros personajes parezcan reales, y permitiendo de esta manera que nos transmitan sus emociones. La segunda consideración es sobre la representación dentro del encuadre de las fases que unidas recompondrán el movimiento. Esto estará íntimamente vinculado a la técnica de animación que estamos empleando, además de nuestra habilidad en su manejo. Por ejemplo si estamos trabajando en dibujo animado, nuestra única limitante tendría que ser la capacidad para dibujar correctamente las poses. Y finalmente debemos agregar a estas consideraciones que es necesario reconocer cuál es la acción que está realizando el protagonista, sus motivos, intenciones y mostrar esto de la manera más clara posible.
Cualquier movimiento se puede descomponer básicamente en dos elementos: el primero es la secuencia de diferentes formas que toma el cuerpo mientras lo realiza y el segundo es el tiempo que emplea para pasar de una forma a la siguiente.
Esta forma externa, que constituyen las fases del movimiento es la que quedará registrada en los distintos fotogramas de nuestra película. Cualquier movimiento quedará determinado por unas pocas fases claves o keys.
El segundo elemento, es el intervalo de tiempo que estará dado por la cantidad de fotogramas que transcurren entre una posición clave y la siguiente. En otras palabras el tiempo que le lleva a nuestro protagonista animado realizar la acción prevista, esto se conoce como tempo o timing.
Estas son las dos únicas variables con que trabaja el animador. Son las únicas habilidades que se pueden enseñar y aprender dentro de la animación. Su concepto es muy amplio y su manejo correcto creo que es algo que no se llega a abarcar jamás. Para lograrlo necesitaríamos contar con un archivo mental de todas las acciones posibles, cada una además con sus distintas variantes emocionales, lo que resulta imposible dada su magnitud.
Como en cualquier disciplina artística, para llegar a ser un buen animador es necesario contar con algunas cualidades innatas, pero estas seguramente no son las que usted supone.
Un animador deberá sentir casi una fascinación absoluta por la forma en que se mueven las cosas. Se trata de una fascinación con el movimiento en sí mismo, debe observar los movimientos en su entorno, estudiándolos y disfrutándolos.
Un animador debe ser un muy buen actor, debe poder expresar sentimientos a través de la actuación. Esto es independiente de la técnica que piensa emplear, ya se trate de dibujos, recortes, gráfica o muñecos. Esta condición es imprescindible para lograr dar vida a nuestros personajes. Primero debemos sentir en nuestro interior lo que queremos manifestar, y luego contar con la habilidad artística necesaria para expresarlo empleando el cuerpo y la voz de nuestros personajes.
A lo largo del film trabajaremos comunicando ideas, mediante las acciones y los diálogos de nuestros personajes, en definitiva estamos utilizando sus expresiones. Estas acciones tendrán necesariamente un propósito y siempre deben estar disparadas por la emoción.
Toda manifestación artística debe provocar emoción en quien la recibe. Hitchcok decía, con mucha sabiduría, que lo importante no era provocar la emoción sino saber cómo mantenerla.
La capacidad de actuar de un animador es muy distinta a la de un actor. Este, mientras actúa, enfrenta a su público y recibe su respuesta, la que seguramente modificará su perfomance. El animador necesita no sólo actuar para un público imaginario, sino que además deberá ser capaz de desmenuzar su representación en las múltiples acciones que intervienen, memorizarlas y contar con la habilidad necesaria para reproducirlas, a través de los elementos con que está trabajando, ya se trate de dibujos, recortes u objetos.
Un animador necesita saber utilizar la imaginación. Debe disfrutar el proceso de identificar los constantes problemas y el de buscar sus soluciones. Soluciones para el estilo, el diseño, la realización de los dibujos, los encuadres, de narración, de ritmo, por nombrar algunos de los inconvenientes, que constantemente se presentarán durante el progreso del trabajo.
Cuando trabajamos en animación somos los únicos responsables de lo que incluye la película cuando ésta alcanza la pantalla. Todos los elementos contenidos en la misma, están allí porque en algún momento decidimos que así fuera. Como también decidimos todo lo que puede faltar en ella. En el cine en vivo esto no es así, muchos elementos son incluídos en forma fortuita y de la misma manera otros quedan afuera. En la animación todo está allí porque existió una elección previa, es el resultado de un pensamiento creativo.
Así, una vez concluídas las películas de animación son un gran conjunto de ideas brillantes, contadas en forma sobresaliente. Esta manifestación de ingenio es lo que crea esa agradable predisposición en la audiencia, tanto la infantil como la adulta. Porque la animación está apelando directamente al intelecto del espectador.
Un animador debe tener una gran dosis de paciencia, de perseverancia y de orgullo por lo que está haciendo.
Todos hemos visto los documentales de los grandes estudios donde muestran la casi infinita cantidad de dibujos que constituyen una película. Disney decía que por cada dibujo que aparecía en el film había diez que se quedaron en el camino, o sea a esa enorme cantidad de arte necesitamos multiplicarla por diez y esto sólo representará el trabajo de los dibujantes. A lo que se debe agregar una inmensa cantidad de trabajo del resto del equipo.
La magnitud y la calidad del trabajo detrás de un largometraje resulta algo faraónico y es impensable sin una buena dosis de orgullo, paciencia, perseverancia y satisfacción por lo que se está realizando. Si bien estas parecen cualidades innatas, no lo son, son matices del carácter personal. Exigen mucha disciplina, pero se pueden adquirir o reforzar.
La animación entonces al reunir todas estas disciplinas, torna difícil su enseñanza.
Aparte de las cualidades propias con que necesita contar el animador, éste deberá dominar alguna bella arte (dibujo o escultura, por ejemplo), sabrá de cine (no solo de técnica sino también sobre como narrar con ese medio), tendrá conocimientos de música, de como y porqué se mueven las cosas (física) y deberá lidiar con cálculos matemáticos (elementales, pero cálculos al fin) mientras arma sus planillas de filmación.
Si a todo esto le agregamos que esta persona debe también resultar alguien creativo, porque finalmente está desarrollando una disciplina artística, entonces se nos torna increíble que en una misma persona se pueda reunir todas esas cualidades, sin embargo cada día hay más gente interesada en la animación.
Creo oportuno agregar una cualidad más, que estimo casi imprescindible para ser un buen animador: hay que ser un loco, un loco lindo.
Como en cualquier otra disciplina artística es importante también estudiar lo que se ha venido realizando, la obra de los grandes que nos antecedieron. Debemos ver hasta el cansancio, desmenuzando y estudiando, los clásicos, el animé, el cartoon network, cualquier animación que nos interese, buceando por las ideas detrás de las historias.
Hay que considerar que es un medio que permite tanto la autoexpresión, realizando nuestra propia pelicula, como también trabajar integrado en un equipo. Utilizando el video desde hace unos años y hoy la computadora, las posibilidades técnicas para realizar una animación están al alcance prácticamente de todos. Esto crea una fresca intromisión al medio de novedosas óperas primas, de jovenes realizadores, que utilizan variados materiales: como plastilina, arena, recortes, muñecos o semillas, por nombrar sólo algunos.
Creo que la animación está considerada dentro del cine porque su soporte final se ve sobre una pantalla, es allí donde se acaba toda la coincidencia. La animación es un arte, dentro de otro. La animación tiene distintas vertientes, desde la pintura, el dibujo o las artes gráficas tiene una poderosa intromisión de nuevas formas de expresión visual. Desde la música, con la que tiene varios puntos comunes,- sobre todo el hecho de la síntesis, de meterse en la más pequeña unidad temporal para desde allí ajustar el todo-, agregando a ella una nueva dimensión visual.
Desde el cine, abriendo la posibilidad de crear universos o situaciones que no existen en la realidad, totalmente en boga en nuestras días gracias a las fantásticas imágenes que nos dan las computadoras.
Desde la historieta, posibilitando hacer vivir a los personajes dibujados.
Cada una de estas vertientes aporta nuevas posibilidades y juntas se enriquecen creando una forma de expresión que se renueva día a día. El límite de la animación parece estar aún muy lejos, sólo está marcado por la imaginación de sus realizadores. La posibilidad de vivir mundos inexistentes, de visualizar abstracciones, o simplemente divertirnos con disparatadas ocurrencias, está llevando a la animación a ocupar hoy en día el lugar que se merece. También está creando junto a la red, a la interacción y a los jueguitos, nuevas disciplinas de trabajo para los animadores. Esto ha llegado a tal extremo que en los EUA las nuevas generaciones de estudiantes la eligen como carrera, en lugar de las opciones más tradicionales.
Me parece un buen síntoma que haya más animadores que abogados, tal vez logremos un mundo mejor, o por lo menos más interesante, con más humor y más creatividad.

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Color in Motion

Uno de los mayores problemas que tenemos todos quienes trabajamos con imágenes es el COLOR.
Para fortuna nuestra hay personas como María Claudia Cortés que de una manera creativa, amena y bastante divertida nos enseña a usarlo.
Acá les dejo la dirección de su página: http://mariaclaudiacortes.com/
Y acá cómo nos enseña sus características


Hagan clic en "START" (requiere de Flash Player)
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Una Torta por sus 50 años

Este año el Festival de Animación de Annecy cumple 50 años (para los neófitos, el Annecy es algo así como el Cannes de la Animación).
Y aprovechando la ocasión, los actos de celebración no se hacen esperar. Es más Alexandre Dubosc ya preparó la torta.
Felicidades Annecy por los primeros 50!!!





Food about you - Annecy festival 2010 from Alexandre DUBOSC on Vimeo.

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Redescubriendo curiosidades

Este video lo acabo de descubrir, data de 1990 y esta hecho con Yeso, fue realizado por el japonés Katushi Bowda. Si saben japonés les sugiero visitar su web: Bowda's Animation Factory y si no saben... háganlo como yo, al chiripazo.
Disfrútenlo...





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Una joyita animada

Con la saturación de videos que hay en la red, es realmente reconfortante encontrar un cortometraje de este tipo.
Realizada en el 2005 por el español Marco Besas y animada por Carlos Lascano (A Short Love Story in Stop Motion). Fue nominada a los Óscares. No dejen de verla



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Utilizando cíclicos

Un ejercicio muy interesante en la práctica de la animación es el uso de cíclicos (movimientos repetitivos), de esta manera se pueden obtener resultados como el siguiente corto realizado por Julien Vallée.

DanseDance from Julien Vallée on Vimeo.

Sin duda, la obra maestra usando esta práctica es "Tango" de Zbigniew Rybczynski, ganador del Oscar al mejor corto animado en 1983

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El color en la Animación

Les pasó un post de los amigos de Ciudadano Pop con una nota muy interesante de John Kricfalusi, creador de Ren & Stimpy acerca del color.

Teoría de Animación por John K

La animación tiene el mismo estigma que los comics: todos creen que son para niños. Bambi, los Picapiedra y la Bella Durmiente se han encargado de transmitir esta idea por años. Y la verdad es que no tengo ningún problema con eso. Creo que hay un espacio para todo tipo de animación: desde Johnny Quest hasta Perfect Blue. Desde Cowboy Bebop hasta Bob Esponja. Hay animación para niños y para adultos. Perfecto. Pero entre nosotros, tengo un problema en especial con la animación dirigida para niños.

LOS NIÑOS NO SON IDIOTAS

Los que hacen dibujos animados creen que porque se trata de menores de edad, pueden venderle cualquier cosa. Material de mala calidad, dibujos mal animados, etc. Lo que sea con tal que de ahí puedan vender el libro de figuritas o la comida en Burger King. Lo peor de todo es que los niños son niños. Y lo que le pongas frente a ellos, lo más probable es que lo vayan a ver.

Ahora, yo no soy un experto en animación. Sé quien es Chuck Jones y he disfrutado de casi todas las películas de Miyazaki. Punto. Sin embargo, alguien que si sabe de animación y que es un experto con opiniones muy fuertes es John Kricfalusi, creador de Ren y Stimpy y animador por años para Hanna Barbera y otros grandes. John es una especie de rebelde en la industria y tiene un mensaje claro para los animadores de hoy en día: sean originales y no copien la basura que predomina en el medio.

He decidido traducir algunas de sus clases sobre animación. Tal vez alguien al leerlas, se llegue a inspirar. Tengan en cuenta que todo lo que dice viene de un punto de vista de animación puro, léase, sin considerar cosas como el guión o la narración.

CAP 1: Teorías de color - Relleno versus Calidez

COLORES DE RELLENO MUY MALOS

Por lo general, los dibujos animados no tienen buenos estilos de coloreado. Alrededor del 90% de ellos solo usan los colores primarios y secundarios, derechitos del tubo de pintura. Por lo usual, la gama de colores en dibujos animados es:

Rosado
Púrpura
Verde
Azul
Rojo
Naranja

Los cielos son azules, el pasto es verde, los troncos marrones y todo lo demás es rosado o púrpura. Yo llamo a esto “colores de video-casetera”. Los odio. Cuando veo a la mayoría de animadores novatos usar estos colores, la verdad me vuelvo loco.

Mira el color de la ropa de Aladino. Prácticamente no ha habido ninguna elección de color. Es simplemente el artista vaciando los tubos sin mezclar nada, sin pensar en la armonía de color, o los contrastes, o el calor o el tono.

La manera más sencilla de escoger colores es simplemente no escoger. Sólo usa los mismos que todo cartoon ha usado antes.

¡Diablos! Cada color en este encuadre compite por atención con todo otro color. Son iguales en su fuerza y por lo tanto la imagen no se lee como un todo completo. Es un rompecabezas hecho por partes individuales de colores primarios y secundarios. Tampoco ayuda el hecho que no hay composición para nada.

BUENOS COLORES CÁLIDOS, ARMONIOSOS Y COMPLEJOS

En contraste, acá hay algunos encuadres cálidos hechos por personas que saben lo que hacen y que han tomado buenas decisiones con los colores. En el fondo de arriba, Art Lozzi usa colores limitados. No usa todos los colores del arcoiris para pintar el paisaje.
El fondo tiene un tono específico y encaja detrás de los personajes como se supone debe hacerlo. Si esta escena estuviese pintada como las de arriba, el fondo estaría compitiendo por atención con los personajes. Debe haber un orden.

Miren. Hay verde en el fondo, pero no es el verde típico que sale derecho del tubo. Hay muchos tonos de verde. Hay verde–azul, verde-gris, verde-amarillo, verde-marrón. Los valores (oscuro y claro) no solo son versiones oscuras de los demás como en los ejemplos de arriba.

Dense cuenta que el cielo no es azul.

Bambi es un tour de force en color. Es tan sofisticado y hermoso, no se donde empezar a describirlo. Pero las teorías de color que usan en Bambi pueden ser aplicadas hoy en día en cartoons de manera más simple. Ren y Stimpy tuvieron buen color en una época. Igual las Chicas Superpoderosas y Escuadrón del Tiempo.

Mira lo cálida que se ve esta escena de Blancanieves. ¿Cuán mejor se ve que la basura morada y rosada del comienzo? Miren el piso. ¿De qué color es? Nisiquiera pueden decirlo. Una parte es gris oscuro, otra es marrón claro y en el medio, hay variaciones. Todas esas variaciones hacen que se vea real, a pesar que es obviamente una pintura estilizada, para nada foto-realista.
Bueno, todo esto es un preludio a teorías de colores. Los colores son una herramienta asombrosa que puede añadir tanto al tono y sensación de una caricatura. De igual manera, puede absorber y quitar todo el calor de una escena si se usa de mal manera.

En esta pintura de Mary Blair, los colores más brillosos se separan cada uno de los colores neutrales como blanco, gris, marrón, piel, etc. Los colores más brillosos siguen sin ser primarios o secundarios. Los pijamas son azules-grises. La muñeca es verde-olivo. Hasta los colores piel, no parecen piel.
Para mi, esto es mucho más colorido que usar el típico rosado, morado o verde que están por todos lados.

Esta pintura de Frazetta demuestra el concepto de la armonía del color. Todos los colores están en relación los unos con los otros. Hasta la piel se mezcla con el verde. Se usan pocos colores pero se usan de tal manera que son un millón de veces más ricos y “coloridos” que las horribles técnicas de pintado al comienzo.
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Y ahí termina la primera lección de John K. Como dije al inicio, sé poco de animación. Pueden concordar o no con lo que él tiene que decir, pero no podemos negar que lo que tiene que decir es sumamente interesante. Me recuerda a la calidad de color y animación en dibujos como Bugs Bunny o el Oso Yogui y cuan superior eran estos a los Shrek 3 o Era de Hielo 2 de hoy en día (recuerden que solo habla de técnicas de color).

¿Pero por qué los menciono? Porque cuando veo estos trabajos hechos en el Perú…

… se me viene al instante todo lo que acaban de leer. Como él dice:

¿Saben qué es triste? Estoy seguro que hay animadores muy talentosos que podrían hacer trabajos de calidad como a los de antaño, pero ningún estudio de hoy en día se lo permitiría. Lamentablemente, somos esclavos de prácticas y modas horribles y gente para nada creativa está a cargo. Todos los caricaturistas modernos están destinados a trabajar a una fracción de su capacidad.

Los niños merecen dibujos animados bien hechos. Deben saber que la animación es primero un arte y luego un comercio. No se necesitan millones de dólares para hacer trabajos de buena calidad. Sólo un poco de originalidad y creatividad.

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Cuando las letras se convierten en imágenes (animadas)

Este es un sorprendente corto de los hermanos Martin y Line Andersen (Andersen M. Studio) realizado íntegramente con papel. Es un promocional para el Consejo del Libro de Nueva Zelandia, pero me queda la disyuntiva, leo un libro o sigo buscando animaciones como está...

Descubriendo a Charley Bowers

A pesar de investigar, husmear y tratar de conocer todo sobre la Animación en el mundo; una de las cosas más reconfortantes es saber que todavía hay mucho por descubrir.
Para ser honesto, nunca había escuchado de Charley Bowers, pues nunca (perdonen la redundancia) nadie lo había citado en las decenas de libros, artículos y páginas sobre la Historia de la Animación que he revisado.
Pero una de las funciones de este blog es esa, poner su granito de arena para crear una Cultura de la Animación lo más amplia posible.
A continuación les presento a Charley Bowers, uno de los pioneros en la mezcla de animación con acción real.

Una corta Historia de Amor

Este corto, lo había vista hace casi dos años, y no de ja de sorprenderme. Por fin lo pude encontrar, así que se los linkeo.
El autor es Carlos Lascano, un español que hace mucho tiempo que se las trae. Y no dejen de visitar su blog (esta en inglés pero vale la pena).

A SHORT LOVE STORY IN STOP MOTION from Carlos Lascano on Vimeo.

Un Videojuego a la Italiana

No tengo más palabras... sólo disfrútenlo.

Un videoclip para no perdérselo

Una muestra más de que con pocos recursos y una elevada dosis de creatividad, se pueden hacer genialidades.
Un videoclip del artista israelí Oren Lavie.

La Curaduría. Nuevo Bloque

Curaduría: El curador es un crítico o autoridad en artes 
visuales quien da un respaldo académico a la exposición y 
selecciona y determina las obras a exponer.

Criticón, si lo soy; autoridad en artes, ni yo me la creo. Lo que si soy, un apasionado por ver cortos animados.
Así que desde este espacio voy a linkear diferentes cortos animados que por alguna u otra razón me impactaron.
Leyendo esto, creo que mejor debería llamar a este bloque la CARADURÍA, espero sugerencias.

Birthday Boy es un cortometraje del coreano Sejong Park, que a través de la inocencia de un niño y la ilusión del regalo de cumpleaños relata el horror de la guerra.
Fue nominada al Oscar el 2004, año en que ganó Ryan de Chris Landreth

Birthday Boy

Otro corto que se los sugiero

No deja de sorprenderme lo ilimitada e infinita que es la animación. Si creyeron que no hay nada nuevo bajo el sol, aquí nos demuestran que no es así

A wolf loves pork

Dos Cortos Animados

En algunas tertulias, fiel a mi costumbre, me pongo a hablar de animación. Y en muchas de esas conversaciones salen a la luz la mención de algunos cortos animados. En muchas de esas ocasiones sucedió que estos amigos, no tenían ni idea de lo que estaba hablando. Así que en lugar de contarles o explicarles prefiero postearles los links a estos cortos. Ejemplos de ingenio y creatividad.

Sorry I'm Late

Mutto

Bruno Bozzetto

Una genialidad de uno de mis animadores favoritos. Después comenten si los bolivianos son o no parecidos a los italianos

Por dónde andará mi Atari?

Este corto animado me trae muchos recuerdos y espero que a Uds. también